Hensley, Byron y Thain

Actualizado: 8-11-2020

Ken Hensley

Ken Hensley
Compositor, teclista, guitarrista y cantante de Uriah Heep

Kenneth William David Hensley (1945, Londres) fue un teclista, compositor, guitarrista y cantante, conocido principalmente por su trabajo en Uriah Heep durante la década de los setenta.

Ken Hensley ya soñaba a los 11 años con ser una estrella del rock. Grabó su primer disco en 1967 y hasta el último día se mantuvo inspirado por todo cuanto le rodeaba, componiendo canciones y escribiendo asimismo. Muy creativo y prolífico, terminó su último disco y falleció unos meses antes de que éste fuera publicado. Aseguraba disfrutar de un modo especial tocando la guitarra acústica y el órgano Hammnod, con el que se sentía «el jefe».

Autor de la mayoría de las canciones de Uriah Heep, Hensley compuso auténticas obras maestras que lograron sumar los talentos del resto de miembros de la banda. Cuarenta años después, todavía componía canciones pensando en David Byron como cantante. Sus letras son auténtica poesía: alejadas de la oscuridad, te transportan hasta universos psicodélicos y hippies, que en ocasiones desembocan en batallas rítmicas y apocalipsis instrumentales.

Ken Hensley vivió la última etapa de su vida en España, a las afueras de un pueblo próximo a Alicante. La leyenda del rock decidió trasladarse allí junto a su esposa Mónica, que es española y ha regentado un bar con banderas, discos de oro e instrumentos de la época dorada de Uriah Heep. De la cima del éxito al recogimiento y el trabajo independiente, al margen de la industria discográfica, en la que tras su regreso en los noventa, no encajó definitivamente; «sin agitaciones, con precios de ultramarinos y bar de toda la vida», tal como él mismo aseguraba.

David Byron

David Byron
Vocalista Principal de Uriah Heep

David Byron (1947, Reino Unido) fue el vocalista principal de Uriah Heep hasta 1976. Fundador de la banda junto a Mick Box, está considerado como una de las mejores voces del rock. En perfecta armonía con el misticismo propio de las composiciones de Hensley y acorde al estilo progresivo y soñador que caracterizó la época más creativa de Uriah Heep en los años setenta, David Byron tuvo serios problemas con el alcohol, que finalmente precipitaron su despido durante la gira del álbum High & Mighty, en 1976. A partir de entonces David Byron inició una carrera en solitario con la Byron Band hasta su fallecimiento en 1985, de un ataque cardíaco. Sus últimos años de vida los pasó retirado en su domicilio, sufriendo daños en el hígado y en el corazón a causa del alcohol. Uriah Heep jamás sonaría igual tras su marcha. Pero la tendencia comenzó tras la salida de Gary Thain en 1975; a partir de entonces, la banda fomentó un sonido más sencillo y comercial, orientado incluso hacia la «Música Disco».

Gary Thain

Gary Thain
Bajista de Uriah Heep

Gary Thain (1948, Nueva Zelanda) fue un excelente bajista conocido principalmente por su trabajo en Uriah Heep durante la década de los setenta. Reconocido por acompañar y enriquecer las melodías de un modo muy personal e incluso solista, comenzó a actuar a los trece años. Tras frecuentar diferentes bandas y colaborar con numerosos artistas, en 1972 fue invitado por Ken Hensley a unirse a Uriah Heep, donde tocó el bajo y colaboró como vocalista, al igual que el resto de miembros de la banda, grabando algunos de sus mejores discos: Demons & Wizards (1972), Live (1973), The Magician's Birthday (1972), Sweet Freedom (1973) y Wonderworld (1974). A finales de 1974 y poco después de su electrocución durante una actuación en Dallas, Gary Thain es despedido a causa de sus problemas de salud. Tras intentar sobreponerse, falleció de sobredosis de heroína en diciembre de 1975, a los 27 años de edad.

Las canciones de Uriah Heep jamás fueron exclusivas de una sola persona. Su magnífico legado adquiere sentido desde la suma de fuerzas y el trabajo en equipo, con aportaciones vocales muy originales e irrepetibles. Lamentablemente, todo cambió a partir de la marcha de Gary Thain. Poco después salió David Byron y años más tarde Hensley.

Comparada erróneamente con Black Sabbat e incomprensiblemente lejos del reconocimiento de bandas como Led Zeppelin o Deep Purple, sólo con Ken Hensley a los teclados, David Byron como vocalista principal, Gary Thain al bajo, Mick Box a la guitarra y Lee Kerslake a la batería, sólo con ellos Uriah Heep logró sumar y filtrar su talento. A pesar de John Lawton, Bernie Shaw, Phil Lanzon y el magnífico bajista Trevor Bolder. A pesar de todos ellos, o quizá tenía que ser así... ¡Quién sabe!

Atentamente:
Rafael Moriel

UFO: Tubos y Mangueras

Danny Peyronel, Andy Parker, Phill Mogg
Michael Schenker y Pete Way
UFO (1976)

Formada en 1969 por Phil Mogg, Mick Bolton, Pete Way y Andy Parker, UFO es una de las bandas británicas más significativas de la historia del rock. Un referente inequívoco y una fuente de inspiración para multitud de bandas surgidas posteriormente.

Caracterizada por la voz de Phill Mogg, la trayectoria de la banda UFO puede dividirse en tres etapas bien diferenciadas, en torno a la figura de sus guitarristas principales. Con la base rítmica contundente de Pete Way al bajo (embutido en pantalones y camisetas a rayas con su bajo Gibson Thunderbird) y Andy Parker a la batería, UFO difiere de otras grandes bandas coetáneas como Deep Purple o Led Zeppelin, etc., en la falta de un reconocimiento explícito a su aportación y trayectoria.

Inicialmente bajo el nombre Hocus Pocus, pasan a llamarse UFO y graban «UFO 1» (1971) en torno al boogie y el rock psicodélico progresivo, triunfando en Japón y Alemania, y en menor medida en el resto de Europa.

En 1971 graban «UFO 2-Flying», desarrollando un sonido progresivo a lo largo de una hora pasada repleta de extensos solos instrumentales y con un menor protagonismo vocal de Phill Mogg. Encasillado en el estilo denominado space rock, «UFO 2-Flying» logra un notable éxito en Japón y Alemania y pasa inadvertido en Inglaterra, cuya crítica llega a etiquetarlos como una de las peores bandas de los últimos años. «UFO 2-Flying» es considerado por sus seguidores como el disco perdido de la banda.

En 1972 y durante su gira por Japón graban el directo «Live», conocido asimismo como «UFO Lands in Tokyo», reeditado décadas más tarde y desconocido incluso por la mayoría de seguidores y simpatizantes de la banda.

Mick Bolton abandona la formación en enero de 1972 durante la gira promocional de «UFO 2-Flying», al parecer por motivos personales. Desaparece de la escena del rock y durante algo más de un año es sustituido por Larry Wallis y Bernie Marsden, que al parecer terminaría sugiriendo a Michael Schenker como guitarrista.

De gira por Alemania junto a Scorpions en su debut discográfico, la banda se fija en su joven guitarrista Michael Schenker, de tan sólo 19 años, que desconoce el idioma inglés. Sorteando sus problemas lingüísticos, Michael Schenker acepta la propuesta de UFO de incorporarse a sus filas, integrándose en la formación más clásica y exitosa de la banda, que a partir de entonces innova y practica un sonido alejado de sus comienzos.

Phenomenon (1974) se orienta hacia el hard rock y supone el comienzo de la labor inspiradora de UFO en la evolución del rock durante las décadas 70 y 80. Como si de un punto y aparte se tratase, las referencias conocidas a la banda UFO comienzan a partir de sus temas Doctor Doctor y Rock Bottom, ambos incluidos en el álbum Phenomenon.

A mediados de 1974 se incorpora el guitarrista Paul Chapman, volviendo a conformar un cuarteto, cuando éste deja la banda para formar Lone Star. Force it (1975) continúa la senda de Phenomenon e introduce a Chuck Churchill como invitado a los teclados. Se trata de un excelente trabajo, un clásico de la banda que además inicia una serie de portadas discográficas caracterizadas por la presencia de tuberías y conductos. UFO conquista el mercado americano, donde llaman la atención el estilo del talentado guitarrista alemán y su guitarra Flying V.

No Heavy Pettin (1976) incluye a Danny Peyronel a los teclados, reemplazado posteriormente por Paul Raymond. Lights out (1977) triunfa en Estados Unidos y Obsession (1978) incluye un himno al rock and roll: Only You Can Rock Me. El extraordinario disco doble en directo Strangers In The Night (1979) recoge su gira por Estados Unidos, considerado una auténtica joya. Poco después Michael Schenker abandona UFO a causa de diferencias con el resto de la banda, regresando a Scorpions y formando posteriormente Michael Schenker Group.

Paul Chapman regresa para ocupar el puesto de guitarrista principal en el magnífico álbum No Place to Run (1980), producido por George Martin (productor de los Beatles), que abre la tercera etapa de la banda. The Wild, The Willing And The Innocent (1981) incluye a Neil Carter a los teclados tras la fuga de Paul Raymond a la banda de Schenker. A partir de entonces se producen una serie de cambios, con idas y venidas de algunos miembros en diferentes agrupaciones que incluyen a la que fuera su formación más próspera, así como proyectos conjuntos de Mogg y Way.

La trayectoria de UFO se completa con numerosos trabajos discográficos como Mechanix (1982), Meking Contact(1983), Misdemeanor (1985), High Stakes And Dangerours Man (1992), Walk On Water (1995), el directo Covenant (2000), Sharks (2002), You Are Here (2004), The Monkey Puzzle (2006), The Visitor (2009) y Seven Deadly (2012).

En 2009 Pete Way se ve finalmente obligado a dejar la banda por problemas de salud derivados de sus excesos con el alcohol y las drogas, que en algún momento afectaron asimismo a otros miembros como Phill Mogg y Michael Schenker.

«Frecuentaba aquella tienda de discos una vez por semana: ojeaba los discos, los dvd´s en directo y las secciones literarias de narrativa y música. Una tarde, al entrar, sonaba algo muy especial. Minutos más tarde pregunté el nombre de aquella banda: era UFO, con los dos primeros temas de su disco debut de 1969 (UFO-1), que compré sin dudarlo.

Sucedió hace años en la penúltima tienda de discos de mi ciudad. Ahora tan sólo queda una».

Atentamente:
Rafael Moriel

Muñeca Hinchable: (La Muñeca de Javier)

Portada del álbum Muñeca Hinchable
Orquesta Mondragón (1979)

Formada en San Sebastián en 1976 en torno a la figura del cantante Javier Gurruchaga, Orquesta Mondragón fue pionera en la fusión de la música y el teatro, elogiando con su nombre —asociado al famoso sanatorio psiquiátrico situado en Guipuzkoa— el espíritu de locura con el que se creó la banda.

Con la mirada puesta en las bandas americanas y el glam de los años 70, Orquesta Mondragón comienza versioneando temas de The Doors, Lou Reed, etc., fomentando el humor absurdo y la provocación durante sus actuaciones, que ya incluían gags humorísticos con diversos disfraces y mucho maquillaje.

Muñeca Hinchable (1979), compuesto en su mayoría por Eduardo Haro (el poeta de la movida), es un magnífico trabajo de rock and roll ambientado en un espectáculo circense presentado por Javier Gurruchaga, que mantiene a lo largo de su desarrollo conceptual un impecable y genuino sonido de orquesta, todavía ajeno a la pésima orientación tomada por la industria discográfica durante la década de los ochenta (cuando las baterías sonaron como cajas de zapatos y el bajista perdió su papel protagonista). El disco recibió excelentes críticas del público y la prensa especializada y conforma una auténtica joya musical, siendo uno de los mejores y más originales trabajos discográficos de toda la historia de la música rock española, que además ha sabido envejecer muy bien. Un excelente trabajo de equipo.

Bon Voyage (1980) supone la confirmación de Orquesta Mondragón en el panorama musical español, si bien a partir de entonces la banda comienza a perder algo de originalidad. Ambientado durante un viaje en avión que desemboca en un fatídico accidente, mantiene el hilo conductor de su anterior trabajo, hilando los temas en un concepto de show. A pesar del buen hacer y la calidad de los temas incluidos, el sonido tampoco es el mismo. Hay un giro notable en su genuino estilo, además de una posterior censura; prueba de ello es la no inclusión de los cortes Te Quiero, te Amo, El Padrino, El Japonés y Epílogo en las reediciones posteriores de Muñeca Hinchable en formato cd, que además modifica el orden de los temas de acuerdo a su concepción original en vinilo. El mismo efecto se produce con Bon Voyage, cuya censura omite los histéricos gritos en la fantástica balada Tú Eres la Noche.

Precedidos de brillantes introducciones del genial showman, repletos de humor inteligente, divertidos y audaces, los temas de Muñeca Hinchable y Bon Voyage se suceden a través de increíbles universos con monstruosas criaturas y alucinaciones perversas. El rock español no ha visto nada tan original desde entonces.

Orquesta Mondragón ha publicado desde 1980 al menos una docena de discos.

Manteniendo el éxito y alternando la música con su trabajo como actor y showman, Javier Gurruchaga es una de las figuras más representativas del panorama creativo español de las últimas décadas.

Atentamente:
Rafael Moriel

Ilegales y Jorge Martínez

Ilegales
David Alonso, Jorge Martínez y Willy Vijande (formación clásica)

El excelente guitarrista y compositor Jorge María Martínez García nació en Avilés en 1955. En 1977 forma el trío Madson junto al batería David Alonso y su hermano Juan Carlos al bajo, que tras su marcha es sustituido por Íñigo Ayestarán, pasando a llamarse Ilegales. Premiados en el concurso pop rock Villa de Oviedo, participan en un disco colectivo con los temas «Europa ha Muerto», «La Fiesta» y «Princesa Equivocada».

Con Discos Arrebato graban el single «Revuelta Juvenil en Mongolia» y «La Pasta en la Mano», así como el álbum completo «Ilegales» (1982), que posteriormente venden a una discográfica, iniciando una línea independiente que caracteriza a la banda, según Jorge Martínez desmarcada absolutamente de la «movida madrileña», a comienzos de los años ochenta. Famoso por su lengua viperina, Jorge Martínez reniega de las discográficas, afirmando que Ilegales sobrevivió como una pequeña célula anarquista durante veinticinco años sin el apoyo de los medios, considerada como la mejor banda de rock de habla hispana en Latinoamérica.

«Yo tengo la esperanza de que salga gente que haga cosas mejores, porque oír cosas buenas es un placer, pero, de momento y por desgracia, esto es lo mejor que se ha hecho».

Willy Vijande sustituye a Íñigo Ayestarán, integrándose en la formación más clásica y aclamada de Ilegales, que recorre España con un directo repleto de energía e insolencia, salvaje y con una fuerte presencia sobre el escenario, aderezado con multitud de declaraciones incoherentes, desafiantes y provocativas de Jorge Martínez, realzando una leyenda que no se sabe a ciencia cierta dónde termina la verdad y comienza el mito.

«Agotados de Esperar el Fin» (1984) y «Todos Están Muertos» (1985) afianzan el éxito de la banda, que recrudece su música y sus letras y triunfa en Sudamérica, donde llena grandes recintos. Ilegales crea el sello discográfico «Discóbolo Records» con idea de grabar bajo su control, ofreciendo temas a las compañías discográficas para que participen lo menos posible en su creación y posterior gestión.

«Cuando los discos de Ilegales se venden mucho, digo: ¡joder! Algo tengo que estar haciendo mal. Porque la mayor parte de la gente tiene un gusto bastante malo. Y eso lo demuestran las listas. Si ves las listas, cuanto mejor clasificado está un artista, peor es la calidad de su música».

Tras el doble álbum «Directo» (1986), Jorge Martínez amplía la formación con el teclista Antolín de la Fuente y el saxofonista Juan Flores, sustituyendo a David Alonso por Alfonso Lantero. «Chicos Pálidos Para la Máquina» (1988) supone la marcha de Willy Vijande por discrepancias con Jorge Martínez, siendo sustituido por Alejandro Felgueroso y posteriormente Rafa Kas.

«(A la Luz o a la Sombra) Todo Está Permitido» (1990) incorpora a Jaime Belaustegui y supone un breve regreso de Willy Vijande. Tras «Regreso al Sexo Químicamente Puro» (1992), la banda pasa a un segundo plano en el panorama rock, manteniendo numerosos incondicionales. Willy abandona definitivamente la banda, formando «Electric Playboys» junto a Rafa Kas.

«El Corazón es un Animal Extraño» (1995) es un excelente trabajo que a pesar de pasar desapercibido es aclamado por sus más fieles seguidores. Alejandro Blanco es el nuevo bajista entonces. Reducidos finalmente a trío, «El Apostol de la Lujuria» (1998) incluye al jovencísimo batería Ruben Mol.

El álbum directo «El Día que Cumplimos Veinte Años» (2002) reúne a Willy Vijande, Rafa Kas, Alejandro Blanco, Alfonso Lantero, Rubén Mol, Juan Flores y Antolín de la Fuente.

Ilegales crea el sello discográfico «La Casa del Misterio», publicando «Si la Muerte me Mira de Frente, me Pongo de Lao» (2003). Junto al sello Pop Up reedita todos sus discos bajo el título «126 Canciones Ilegales» (2010), cuyo lanzamiento coincide con la despedida de Ilegales y su reconversión en «Jorge Ilegal y los Magníficos», formación dedicada a versiones de otros artistas, recuperando sonidos de décadas pasadas.

En 2009, Jorge Martínez recibe un disco de diamante por su trayectoria, que únicamente acepta de las manos de El Gran Wyoming. Crítico con la década de los ochenta, afirma que Ilegales no tuvo nada que ver con aquellos grupos que tenían dificultades para cambiar de re a do y enchufaban la guitarra en el secador de su madre. Interesado en el cine, bucea y ultima la escritura de libros, experimentando con otros tipos de música.

«Llevo tocando desde finales de los años 60. O sea, yo en los grupos psicodélicos de finales de los 60. Con flequillo, así que... no tengo nada que ver. Me parecían una pandilla de pijos sin ningún respeto. Ahora se sacraliza mucho lo de la «movida». Me parecían una pandilla de mierdecillas. Pero no les di ninguna importancia, porque no la tenían. Nosotros estábamos al margen. En el año 82 fuimos el grupo que más tocó en directo. Era como quitar un caramelo a un niño».

Carismático y polémico, Jorge Martínez ha recorrido junto a Ilegales todos los matices del rock más salvaje. En sus letras, los perdedores tienen poco que hacer en un mundo que no perdona su debilidad. Controvertido o no y por encima de las opiniones ajenas, su extenso recorrido lo sitúa como uno de los más brillantes guitarristas del panorama rock español.

Atentamente:
Rafael Moriel

«Live at Pompeii»: Pink Floyd 1971

Roger Waters, «Live at Pompeii»
(1971)

Los orígenes de la banda de rock británica Pink Floyd se remontan hasta el año 1964, en el que, a partir de diferentes formaciones que frecuentan la psicodelia y el rock progresivo, desembocan en el rock sinfónico de su historia más reciente.

Pink Floyd atravesó fundamentalmente por dos etapas, independientemente de quiénes fueran sus miembros, con la figura de Syd Barret entre sus filas, o sin él: una primera etapa estuvo marcada por la psicodelia en su sentido más auténtico y purista, y en una segunda etapa absolutamente diferente, la banda pasó a encabezar el récord en cuanto al número de metros de cable necesarios para sus actuaciones en directo, ampliando su formación original con numerosos músicos durante las giras.

En octubre de 1971 Pink Floyd realiza la filmación del mítico concierto «Live at Pompeii», una auténtica joya que ha perdurado en el tiempo como una de las muestras más auténticas de lo que supuso la psicodelia y el sonido progresivo de la década de los setenta. Curiosamente, esta maravillosa grabación fue concebida por el director francés Adrian Maben como un documental para la televisión, con una idea anti Woodstock.

Para la filmación de tan temerario experimento, Adrian Maben eligió las ruinas con más de 2.000 años de antigüedad del anfiteatro de la antigua ciudad de Pompeya, en Italia, ciudad romana que fuera cubierta y enterrada por la erupción del volcán del monte Vesubio, el día 24 de agosto del año 79 a. de C.

Las grabaciones de las dos partes de «Echoes», que abre y cierra la cinta, así como los temas «One of These Days» y «A Saucerful of Secrets» se filmaron entre el 4 y el 7 de octubre de 1971 en el anfiteatro en ruinas, entretanto el resto de los temas fueron grabados entre finales de 1971 y comienzos de 1972 en un estudio de París, utilizando proyecciones del anfiteatro de Pompeya como fondo. En agosto de 1974 se publica otra versión de la cinta que combina las grabaciones de Pompeya con retales de otras filmaciones procedentes de las sesiones de grabación del álbum «The Dark Side of the Moon» en los estudios Abbey Road.

El genial montaje de «Live at Pompeii» derrocha una creatividad exquisita nada habitual, repleta de sugerentes y múltiples detalles con un impecable desarrollo de las imágenes y los recursos técnicos, así como multitud de insólitos ambientes recreados bajo la música de la inspirada banda Pink Floyd en su época más prolífica, conviertiendo dicha grabación en una auténtica joya imprescindible.

La cinta original contiene los siguientes temas:

Intro Pompeii
Echoes Part 1
Careful with that Axe, Eugene
A Saucerful of Secrets
One of These Days
Set the Controls for the Heart of the Sun
Mademoiselle Nobs
Echoes Part 2

Pocas recreaciones superan «Live at Pompeii», de Pink Floyd. Absolutamente impresionante.

Atentamente:
Rafael Moriel