El sol de junio entra por mi ventana. La luz de sus rayos es inspiradora y me recuerda que mis padres continúan vivos, muy cerca de mí. Afortunadamente para algunos, nuestro tiempo discurre apaciblemente entre el día a día del presente actual. Ser consciente de ello me ha empujado a escribir este post; Roger Waters lo ha hecho posible.
Roger Waters
Tras visionar el vídeo concierto «ROGER WATERS THE WALL», debo reconocer que el talento y la puesta en escena de este magnífico artista me han sorprendido, una vez más. Increíblemente, Roger Waters mantiene su fuerza intacta, a pesar de los años. No sólo ha sobrevivido a los excesos de la fama y el rock and roll, manteniéndose en una excelente forma física, sino que ha envejecido de un modo envidiable. Es un gran artista y un buen ejemplo de inspiración, un pacifista consagrado y una feaciente prueba de que el rock no tiene por qué significar «muerte».
A lo largo de las más de dos horas del film, he visto a un hombre tras sus raíces, buscando la reconciliación y el amor de su padre. He sido testigo de cómo se rendía y lloraba; y también he visto el espectáculo, un implacable y majestuoso concierto cuyos temas son intercalados entre una historia paralela muy singular, de corte literario e intimista, en la que la soledad y la melancolía ya no encuentran excusa: un hombre anciando nos abre su corazón, embarcándose en un insólito viaje que tenía pendiente.
Se cuenta que «The Wall» es el mejor trabajo en solitario de Roger Waters, cuando todavía formaba parte de Pink Floyd.
Más de treinta y cinco años después de la publicación del álbum, Roger Waters está vivo, y coleando. ¿Roger Waters es Pink Floyd?... Reconozco que la duda y la contrariedad que sentía al comienzo del concierto se han ido desvaneciendo a medida que se sucedían las canciones: ya no me pregunto por qué no estaban el resto de miembros de Pink Floyd junto a Waters, tocando sus instrumentos; ya no es necesario hacerlo...
«Cuando miro las fotos de Tommy Bolin, ya no veo al último gran guitarrista de los años setenta. Más allá del mito y de la música, las guitarras y los discos, sólo veo a un joven de 25 años asustado y desorientado, viviendo por encima de sus posibilidades. Es entonces cuando siento una enorme compasión por él».
La historia de Thomas Richard Bolin (1951-1976), más conocido como Tommy Bolin, se truncó la madrugada del 4 de diciembre de 1976 en Miami, pocas horas después de que compartiera escenario con Jeff Beck.
Tommy Bolin comenzó a tocar la batería a los 13 años, instrumento que sustituyó finalmente por la guitarra, y los teclados. Tocó en diferentes bandas antes de ingresar en Zephyr, con quien fue telonero de Led Zeppelin. Después vinieron The James Gang y Deep Purple, y finalmente su carrera en solitario. Anteriormente había acompañado a Albert King durante un año. Billy Cobham también le reclamó en 1973, y Joe Walsh (Eagles) le recomendó para sustituirle en The James Gang, antes de que Bolin cumpliera los 23 años.
Tommy Bolin
Su primer álbum en solitario «Teaser» incluía a un grupo de músicos de estudio que muy pronto serían grandes estrellas: Jeff Porcaro, Jan Hammer, David Sanborn... Phil Collins, etc. «Teaser» fusionaba diferentes estilos y destacó de un modo notable, siendo un gran referente hasta nuestros días, siendo comercializado un mes después que «Come Taste The Band», álbum que Bolin grabó junto a Deep Purple, donde sustituyó al hábil guitarrista Ritchie Blackmore, que por aquel entonces acababa de formar Rainbow.
«Come Taste The Band» obtuvo una excelente crítica y un mal resultado de ventas. En 1975, Deep Purple inicia una prometedora gira que termina siendo un completo desastre. Bolin sufría una grave adicción a la heroína y Glenn Hughes a la cocaína. Tras numerosos problemas, Deep Purple se disuelve y Bolin forma su propia banda.
Su segundo álbum en solitario, «Private Eyes», se publica en septiembre de 1976. Contiene excelentes temas, a pesar del maltrecho estado del guitarrista, que es abandonado por su novia.
El 3 de diciembre de 1976 telonea a Jeff Beck en el Jai Alai de Miami. Después regresa al hotel, donde fallece por una sobredosis de diferentes drogas. La última canción que interpretó fue «Post Toastee», que precisamente alerta sobre los peligros de la heroína. Tenía 25 años y llevaba puesto un anillo de Jimi Hendrix que su ex novia le había conseguido.
Puede que nuestros músicos de hoy en día no posean su talento, pero al menos integran mejor sus vidas. Y eso ya es suficiente.
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John Densmore, Robby Krieger, Jim Morrison y Ray Manzarek
(The Doors)
Los orígenes del mito de Jim Morrison se remontan hasta la contracultura de los primeros años sesenta, cuando el LSD y otras drogas fueron utilizadas con cierta inocencia, para abrir las puertas de la percepción.
Jim Morrison y Ray Manzarek se conocieron en la universidad. Compartían su afición por el blues y el cine y congeniaron tanto, que Ray se lo llevó a vivir a su apartamento. Convencido del lirismo de Morrison, Ray Manzarek lo ficha como cantante para su nueva banda, incluyendo a su compañero de meditación John Densmore como baterista, que a su vez trae a Robby Krieger para tocar la guitarra.
Jim Morrison
The Doors fue una banda heterogénea: Densmore provenía del jazz y Robby llevaba tan sólo unos mese tocando la guitarra eléctrica, con una formación en guitarra clásica de flamenco y sin utilizar la púa. Así nace The Doors: sin bajista, con unas influencias insólitas, cuatro tipos absolutamente diferentes conformando ese sonido tan característico de la banda, que a lo largo de su discografía puso de manifiesto que fueron mucho mejores músicos de lo que parecía en un principio.
En 1966 tocaron en el famoso Whisky a Go Go. Jim Morrison era muy tímido y por entonces cantaba de espaldas al público. El dueño del local lo expulsó tras interpretar The End, a causa de una estrofa conflictiva. Inmediatamente después del incidente graban su primer disco, The Doors (1967), en apenas un par de días. La banda conocía tan bien los temas, que algunas de las pistas se grabaron una sola vez.
Strange Days (1967) y Waiting for the Sun (1968) culminan en el primer desencuentro entre los miembros de la banda, al no incluir el poema musicado de Morrison, Celebration of the King Lizard, en un principio destinado a ocupar una cara entera de Waiting for the Sun.
Soft Parade (1969) supone un antes y un después: Morrison y Krieger componen sus temas por separado y Morrison acostumbra a presentarse borracho y colocado.
Ray Manzarek, que estuvo convencido de que el LSD era la clave para alcanzar la iluminación, termina alejándose de Jim Morrison, para refugiarse junto a sus compañeros, en la meditación. Morrison comienza a dudar de su futuro en la banda: se ha transformado en una bestia histriónica que nada tiene que ver con el chico tímido e introvertido de sus inicios. El público acude a sus conciertos a ver un escándalo más que a escuchar su música, y ya existen diferencias irreconcicliables entre él y el resto de los miembros de la banda.
Comienzan las detenciones de Morrison durante sus actuaciones, en las que mantiene una actitud de continua provocación. Consciente de la realidad, aunque finalmente convencido por Ray Manzarek, Jim Morrison decide darse una prórroga y continuar seis meses más con The Doors, entretanto intenta controlar su adicción a las drogas y el alcohol, enmendando su actitud. La banda actúa en recintos cada vez más grandes y el abuso del alcohol y las drogas de Morrison no cesa, abriendo un gran abismo entre él y el resto de miembros de la banda. Lejos de mejorar, Morrison parece cada vez peor.
Tras dos denuncias por exhibicionismo y lenguaje obsceno, Jim Morrison se entrega en 1969 al FBI, tras ser acusado de mostrar el pene durante un concierto. Una ola de conservadurismo e hipocresía se apodera de EEUU. La música de The Doors ya no se escucha, y Jimi Hendrix y Janis Joplin mueren a causa de sus excesos con las drogas. Entretanto la contracultura vive sus últimas días, Jim Morrison afirma que podría ser el siguiente de la lista.
Morrison Hotel (1970) supone el reencuentro de la banda con el blues. Tras grabar La Woman (1971) en poco más de una semana, Morrison se refugia en París, con la intención de recuperarse de sus problemas de salud. Allí visita a un médico, que le recomienda dejar el alcohol y los cigarrillos. Jim Morrison está gordo y escupe sangre.
Paseando por París como un completo desconocido, canta con algunos músicos callejeros que desconocen su identidad, rellenando sus cuadernos de poemas y canciones, tomando notas sin cesar. Morrison queda prendado de Père-Lachaise, sugiriendo que le gustaría reposar allí tras su muerte. Viviendo como un poeta desconocido en la ciudad de París, fallece finalmente tras esnifar una sobredosis de heroína muy pura, que su novia Pamela Courson consumía habitualmente.
Mucho se ha especulado sobre su muerte: si murió en la bañera o en un club cercano, y fue trasladado allí posteriormente... La única realidad es que su cuerpo no fue objeto de una adecuada autopsia, entre otras cosas porque fue presentado a las autoridades como un simple poeta y, al igual que ocurriera con otros artistas que murieron en circunstancias similares, las personas de su entorno pudieron ocultar algunos datos, en vista de que había sustancias ilegales de por medio. El diagnóstico final se decantó hacia el infarto. Falleció como un desconocido en un país donde había logrado pasar desapercibido, en unas fechas en las que, hasta los jueces, cogían vacaciones.
Jim Morrison fue enterrado en Père-Lachaise. Desde entonces, su tumba viene siendo un punto de encuentro para sus fans, aunque sus restos fueron finalmente retirados por su familia y descansan en un lugar desconocido, después de que la tumba hubiera sido profanada en diversas ocasiones.
The Doors musican varios poemas que Morrison grabó durante una sesión de estudio en el año 1970, bajo el título An American Prayer (1978). Se trata de un magnífico álbum homenaje a su compañero, cuyas letras son semi-autobiográficas y a veces proféticas, incluyendo desde críticas de la época hasta visiones de la vida después de la muerte.
Se cuenta que una sola palabra de Jim Morrison hubiera bastado para movilizar a millones de sus seguidores. Su padre, del que renegó quizá por ser militar y haber dirigido un contingente de portaaviones durante la guerra de Vietnam, afirmó, diez años después de su muerte: «Mi hijo poseía un genio único, que expresó sin censuras».
Puede que nuestros músicos de hoy en día no posean un aura tan seductora. Puede incluso que sean infinitamente más mediocres en sus creaciones y no aporten nada nuevo y original. Es posible que nunca experimenten el nacimiento, auge y muerte de un movimiento que cambiaría el mundo. Puede que todo esto sea cierto y mucho más, aunque al menos parecen integrar mejor sus vidas. Y eso ya es suficiente.
Ken Hensley Compositor, teclista, guitarrista y cantante de Uriah Heep
Kenneth William David Hensley (1945, Londres) fue un teclista, compositor, guitarrista y cantante, conocido principalmente por su trabajo en Uriah Heep durante la década de los setenta.
Ken Hensley ya soñaba a los 11 años con ser una estrella del rock. Grabó su primer disco en 1967 y hasta el último día se mantuvo inspirado por todo cuanto le rodeaba, componiendo canciones y escribiendo asimismo. Muy creativo y prolífico, terminó su último disco y falleció unos meses antes de que éste fuera publicado. Aseguraba disfrutar de un modo especial tocando la guitarra acústica y el órgano Hammnod, con el que se sentía «el jefe».
Autor de la mayoría de las canciones de Uriah Heep, Hensley compuso auténticas obras maestras que lograron sumar los talentos del resto de miembros de la banda. Cuarenta años después, todavía componía canciones pensando en David Byron como cantante. Sus letras son auténtica poesía: alejadas de la oscuridad, te transportan hasta universos psicodélicos y hippies, que en ocasiones desembocan en batallas rítmicas y apocalipsis instrumentales.
Ken Hensley vivió la última etapa de su vida en España, a las afueras de un pueblo próximo a Alicante. La leyenda del rock decidió trasladarse allí junto a su esposa Mónica, que es española y ha regentado un bar con banderas, discos de oro e instrumentos de la época dorada de Uriah Heep. De la cima del éxito al recogimiento y el trabajo independiente, al margen de la industria discográfica, en la que tras su regreso en los noventa, no encajó definitivamente; «sin agitaciones, con precios de ultramarinos y bar de toda la vida», tal como él mismo aseguraba.
David Byron
David Byron Vocalista Principal de Uriah Heep
David Byron (1947, Reino Unido) fue el vocalista principal de Uriah Heep hasta 1976. Fundador de la banda junto a Mick Box, está considerado como una de las mejores voces del rock. En perfecta armonía con el misticismo propio de las composiciones de Hensley y acorde al estilo progresivo y soñador que caracterizó la época más creativa de Uriah Heep en los años setenta, David Byron tuvo serios problemas con el alcohol, que finalmente precipitaron su despido durante la gira del álbum High & Mighty, en 1976. A partir de entonces David Byron inició una carrera en solitario con la Byron Band hasta su fallecimiento en 1985, de un ataque cardíaco. Sus últimos años de vida los pasó retirado en su domicilio, sufriendo daños en el hígado y en el corazón a causa del alcohol. Uriah Heep jamás sonaría igual tras su marcha. Pero la tendencia comenzó tras la salida de Gary Thain en 1975; a partir de entonces, la banda fomentó un sonido más sencillo y comercial, orientado incluso hacia la «Música Disco».
Gary Thain
Gary Thain Bajista de Uriah Heep
Gary Thain (1948, Nueva Zelanda) fue un excelente bajista conocido principalmente por su trabajo en Uriah Heep durante la década de los setenta. Reconocido por acompañar y enriquecer las melodías de un modo muy personal e incluso solista, comenzó a actuar a los trece años. Tras frecuentar diferentes bandas y colaborar con numerosos artistas, en 1972 fue invitado por Ken Hensley a unirse a Uriah Heep, donde tocó el bajo y colaboró como vocalista, al igual que el resto de miembros de la banda, grabando algunos de sus mejores discos: Demons & Wizards (1972), Live (1973), The Magician's Birthday (1972), Sweet Freedom (1973) y Wonderworld (1974). A finales de 1974 y poco después de su electrocución durante una actuación en Dallas, Gary Thain es despedido a causa de sus problemas de salud. Tras intentar sobreponerse, falleció de sobredosis de heroína en diciembre de 1975, a los 27 años de edad.
Las canciones de Uriah Heep jamás fueron exclusivas de una sola persona. Su magnífico legado adquiere sentido desde la suma de fuerzas y el trabajo en equipo, con aportaciones vocales muy originales e irrepetibles. Lamentablemente, todo cambió a partir de la marcha de Gary Thain. Poco después salió David Byron y años más tarde Hensley.
Comparada erróneamente con Black Sabbat e incomprensiblemente lejos del reconocimiento de bandas como Led Zeppelin o Deep Purple, sólo con Ken Hensley a los teclados, David Byron como vocalista principal, Gary Thain al bajo, Mick Box a la guitarra y Lee Kerslake a la batería, sólo con ellos Uriah Heep logró sumar y filtrar su talento. A pesar de John Lawton, Bernie Shaw, Phil Lanzon y el magnífico bajista Trevor Bolder. A pesar de todos ellos, o quizá tenía que ser así... ¡Quién sabe!
NOTA: a través de los siguientes links puedes acceder a otras entradas de este blog relacionadas con la banda Uriah Heep, y Ken Hensley:
Danny Peyronel, Andy Parker, Phill Mogg Michael Schenker y Pete Way UFO (1976)
Formada en 1969 por Phil Mogg, Mick Bolton, Pete Way y Andy Parker, UFO es una de las bandas británicas más significativas de la historia del rock. Un referente inequívoco y una fuente de inspiración para multitud de bandas surgidas posteriormente.
Caracterizada por la voz de Phill Mogg, la trayectoria de la banda UFO puede dividirse en tres etapas bien diferenciadas, en torno a la figura de sus guitarristas principales. Con la base rítmica contundente de Pete Way al bajo (embutido en pantalones y camisetas a rayas con su bajo Gibson Thunderbird) y Andy Parker a la batería, UFO difiere de otras grandes bandas coetáneas como Deep Purple o Led Zeppelin, etc., en la falta de un reconocimiento explícito a su aportación y trayectoria.
Inicialmente bajo el nombre Hocus Pocus, pasan a llamarse UFO y graban «UFO 1» (1971) en torno al boogie y el rock psicodélico progresivo, triunfando en Japón y Alemania, y en menor medida en el resto de Europa.
En 1971 graban «UFO 2-Flying», desarrollando un sonido progresivo a lo largo de una hora pasada repleta de extensos solos instrumentales y con un menor protagonismo vocal de Phill Mogg. Encasillado en el estilo denominado space rock, «UFO 2-Flying» logra un notable éxito en Japón y Alemania y pasa inadvertido en Inglaterra, cuya crítica llega a etiquetarlos como una de las peores bandas de los últimos años. «UFO 2-Flying» es considerado por sus seguidores como el disco perdido de la banda.
En 1972 y durante su gira por Japón graban el directo «Live», conocido asimismo como «UFO Lands in Tokyo», reeditado décadas más tarde y desconocido incluso por la mayoría de seguidores y simpatizantes de la banda.
Mick Bolton abandona la formación en enero de 1972 durante la gira promocional de «UFO 2-Flying», al parecer por motivos personales. Desaparece de la escena del rock y durante algo más de un año es sustituido por Larry Wallis y Bernie Marsden, que al parecer terminaría sugiriendo a Michael Schenker como guitarrista.
De gira por Alemania junto a Scorpions en su debut discográfico, la banda se fija en su joven guitarrista Michael Schenker, de tan sólo 19 años, que desconoce el idioma inglés. Sorteando sus problemas lingüísticos, Michael Schenker acepta la propuesta de UFO de incorporarse a sus filas, integrándose en la formación más clásica y exitosa de la banda, que a partir de entonces innova y practica un sonido alejado de sus comienzos.
Phenomenon (1974) se orienta hacia el hard rock y supone el comienzo de la labor inspiradora de UFO en la evolución del rock durante las décadas 70 y 80. Como si de un punto y aparte se tratase, las referencias conocidas a la banda UFO comienzan a partir de sus temas Doctor Doctor y Rock Bottom, ambos incluidos en el álbum Phenomenon.
A mediados de 1974 se incorpora el guitarrista Paul Chapman, volviendo a conformar un cuarteto, cuando éste deja la banda para formar Lone Star. Force it (1975) continúa la senda de Phenomenon e introduce a Chuck Churchill como invitado a los teclados. Se trata de un excelente trabajo, un clásico de la banda que además inicia una serie de portadas discográficas caracterizadas por la presencia de tuberías y conductos. UFO conquista el mercado americano, donde llaman la atención el estilo del talentado guitarrista alemán y su guitarra Flying V.
No Heavy Pettin (1976) incluye a Danny Peyronel a los teclados, reemplazado posteriormente por Paul Raymond. Lights out (1977) triunfa en Estados Unidos y Obsession (1978) incluye un himno al rock and roll: Only You Can Rock Me. El extraordinario disco doble en directo Strangers In The Night (1979) recoge su gira por Estados Unidos, considerado una auténtica joya. Poco después Michael Schenker abandona UFO a causa de diferencias con el resto de la banda, regresando a Scorpions y formando posteriormente Michael Schenker Group.
Paul Chapman regresa para ocupar el puesto de guitarrista principal en el magnífico álbum No Place to Run (1980), producido por George Martin (productor de los Beatles), que abre la tercera etapa de la banda. The Wild, The Willing And The Innocent (1981) incluye a Neil Carter a los teclados tras la fuga de Paul Raymond a la banda de Schenker. A partir de entonces se producen una serie de cambios, con idas y venidas de algunos miembros en diferentes agrupaciones que incluyen a la que fuera su formación más próspera, así como proyectos conjuntos de Mogg y Way.
La trayectoria de UFO se completa con numerosos trabajos discográficos como Mechanix (1982), Meking Contact(1983), Misdemeanor (1985), High Stakes And Dangerours Man (1992), Walk On Water (1995), el directo Covenant (2000), Sharks (2002), You Are Here (2004), The Monkey Puzzle (2006), The Visitor (2009) y Seven Deadly (2012).
En 2009 Pete Way se ve finalmente obligado a dejar la banda por problemas de salud derivados de sus excesos con el alcohol y las drogas, que en algún momento afectaron asimismo a otros miembros como Phill Mogg y Michael Schenker.
«Frecuentaba aquella tienda de discos una vez por semana: ojeaba los discos, los dvd´s en directo y las secciones literarias de narrativa y música. Una tarde, al entrar, sonaba algo muy especial. Minutos más tarde pregunté el nombre de aquella banda: era UFO, con los dos primeros temas de su disco debut de 1969 (UFO-1), que compré sin dudarlo.
Sucedió hace años en la penúltima tienda de discos de mi ciudad. Ahora tan sólo queda una».
Portada del álbum Muñeca Hinchable Orquesta Mondragón (1979)
Formada en San Sebastián en 1976 en torno a la figura del cantante Javier Gurruchaga, Orquesta Mondragón fue pionera en la fusión de la música y el teatro, elogiando con su nombre —asociado al famoso sanatorio psiquiátrico situado en Guipuzkoa— el espíritu de locura con el que se creó la banda.
Con la mirada puesta en las bandas americanas y el glam de los años 70, Orquesta Mondragón comienza versioneando temas de The Doors, Lou Reed, etc., fomentando el humor absurdo y la provocación durante sus actuaciones, que ya incluían gags humorísticos con diversos disfraces y mucho maquillaje.
Muñeca Hinchable (1979), compuesto en su mayoría por Eduardo Haro (el poeta de la movida), es un magnífico trabajo de rock and roll ambientado en un espectáculo circense presentado por Javier Gurruchaga, que mantiene a lo largo de su desarrollo conceptual un impecable y genuino sonido de orquesta, todavía ajeno a la pésima orientación tomada por la industria discográfica durante la década de los ochenta (cuando las baterías sonaron como cajas de zapatos y el bajista perdió su papel protagonista). El disco recibió excelentes críticas del público y la prensa especializada y conforma una auténtica joya musical, siendo uno de los mejores y más originales trabajos discográficos de toda la historia de la música rock española, que además ha sabido envejecer muy bien. Un excelente trabajo de equipo.
Bon Voyage (1980) supone la confirmación de Orquesta Mondragón en el panorama musical español, si bien a partir de entonces la banda comienza a perder algo de originalidad. Ambientado durante un viaje en avión que desemboca en un fatídico accidente, mantiene el hilo conductor de su anterior trabajo, hilando los temas en un concepto de show. A pesar del buen hacer y la calidad de los temas incluidos, el sonido tampoco es el mismo. Hay un giro notable en su genuino estilo, además de una posterior censura; prueba de ello es la no inclusión de los cortes Te Quiero, te Amo, El Padrino, El Japonés y Epílogo en las reediciones posteriores de Muñeca Hinchable en formato cd, que además modifica el orden de los temas de acuerdo a su concepción original en vinilo. El mismo efecto se produce con Bon Voyage, cuya censura omite los histéricos gritos en la fantástica balada Tú Eres la Noche.
Precedidos de brillantes introducciones del genial showman, repletos de humor inteligente, divertidos y audaces, los temas de Muñeca Hinchable y Bon Voyage se suceden a través de increíbles universos con monstruosas criaturas y alucinaciones perversas. El rock español no ha visto nada tan original desde entonces.
Orquesta Mondragón ha publicado desde 1980 al menos una docena de discos.
Manteniendo el éxito y alternando la música con su trabajo como actor y showman, Javier Gurruchaga es una de las figuras más representativas del panorama creativo español de las últimas décadas.
Ilegales David Alonso, Jorge Martínez y Willy Vijande (formación clásica)
El excelente guitarrista y compositor Jorge María Martínez García nació en Avilés en 1955. En 1977 forma el trío Madson junto al batería David Alonso y su hermano Juan Carlos al bajo, que tras su marcha es sustituido por Íñigo Ayestarán, pasando a llamarse Ilegales. Premiados en el concurso pop rock Villa de Oviedo, participan en un disco colectivo con los temas «Europa ha Muerto», «La Fiesta» y «Princesa Equivocada».
Con Discos Arrebato graban el single «Revuelta Juvenil en Mongolia» y «La Pasta en la Mano», así como el álbum completo «Ilegales» (1982), que posteriormente venden a una discográfica, iniciando una línea independiente que caracteriza a la banda, según Jorge Martínez desmarcada absolutamente de la «movida madrileña», a comienzos de los años ochenta. Famoso por su lengua viperina, Jorge Martínez reniega de las discográficas, afirmando que Ilegales sobrevivió como una pequeña célula anarquista durante veinticinco años sin el apoyo de los medios, considerada como la mejor banda de rock de habla hispana en Latinoamérica.
«Yo tengo la esperanza de que salga gente que haga cosas mejores, porque oír cosas buenas es un placer, pero, de momento y por desgracia, esto es lo mejor que se ha hecho».
Willy Vijande sustituye a Íñigo Ayestarán, integrándose en la formación más clásica y aclamada de Ilegales, que recorre España con un directo repleto de energía e insolencia, salvaje y con una fuerte presencia sobre el escenario, aderezado con multitud de declaraciones incoherentes, desafiantes y provocativas de Jorge Martínez, realzando una leyenda que no se sabe a ciencia cierta dónde termina la verdad y comienza el mito.
«Agotados de Esperar el Fin» (1984) y «Todos Están Muertos» (1985) afianzan el éxito de la banda, que recrudece su música y sus letras y triunfa en Sudamérica, donde llena grandes recintos. Ilegales crea el sello discográfico «Discóbolo Records» con idea de grabar bajo su control, ofreciendo temas a las compañías discográficas para que participen lo menos posible en su creación y posterior gestión.
«Cuando los discos de Ilegales se venden mucho, digo: ¡joder! Algo tengo que estar haciendo mal. Porque la mayor parte de la gente tiene un gusto bastante malo. Y eso lo demuestran las listas. Si ves las listas, cuanto mejor clasificado está un artista, peor es la calidad de su música».
Tras el doble álbum «Directo» (1986), Jorge Martínez amplía la formación con el teclista Antolín de la Fuente y el saxofonista Juan Flores, sustituyendo a David Alonso por Alfonso Lantero. «Chicos Pálidos Para la Máquina» (1988) supone la marcha de Willy Vijande por discrepancias con Jorge Martínez, siendo sustituido por Alejandro Felgueroso y posteriormente Rafa Kas.
«(A la Luz o a la Sombra) Todo Está Permitido» (1990) incorpora a Jaime Belaustegui y supone un breve regreso de Willy Vijande. Tras «Regreso al Sexo Químicamente Puro» (1992), la banda pasa a un segundo plano en el panorama rock, manteniendo numerosos incondicionales. Willy abandona definitivamente la banda, formando «Electric Playboys» junto a Rafa Kas.
«El Corazón es un Animal Extraño» (1995) es un excelente trabajo que a pesar de pasar desapercibido es aclamado por sus más fieles seguidores. Alejandro Blanco es el nuevo bajista entonces. Reducidos finalmente a trío, «El Apostol de la Lujuria» (1998) incluye al jovencísimo batería Ruben Mol.
El álbum directo «El Día que Cumplimos Veinte Años» (2002) reúne a Willy Vijande, Rafa Kas, Alejandro Blanco, Alfonso Lantero, Rubén Mol, Juan Flores y Antolín de la Fuente.
Ilegales crea el sello discográfico «La Casa del Misterio», publicando «Si la Muerte me Mira de Frente, me Pongo de Lao» (2003). Junto al sello Pop Up reedita todos sus discos bajo el título «126 Canciones Ilegales» (2010), cuyo lanzamiento coincide con la despedida de Ilegales y su reconversión en «Jorge Ilegal y los Magníficos», formación dedicada a versiones de otros artistas, recuperando sonidos de décadas pasadas.
En 2009, Jorge Martínez recibe un disco de diamante por su trayectoria, que únicamente acepta de las manos de El Gran Wyoming. Crítico con la década de los ochenta, afirma que Ilegales no tuvo nada que ver con aquellos grupos que tenían dificultades para cambiar de re a do y enchufaban la guitarra en el secador de su madre. Interesado en el cine, bucea y ultima la escritura de libros, experimentando con otros tipos de música.
«Llevo tocando desde finales de los años 60. O sea, yo en los grupos psicodélicos de finales de los 60. Con flequillo, así que... no tengo nada que ver. Me parecían una pandilla de pijos sin ningún respeto. Ahora se sacraliza mucho lo de la «movida». Me parecían una pandilla de mierdecillas. Pero no les di ninguna importancia, porque no la tenían. Nosotros estábamos al margen. En el año 82 fuimos el grupo que más tocó en directo. Era como quitar un caramelo a un niño».
Carismático y polémico, Jorge Martínez ha recorrido junto a Ilegales todos los matices del rock más salvaje. En sus letras, los perdedores tienen poco que hacer en un mundo que no perdona su debilidad. Controvertido o no y por encima de las opiniones ajenas, su extenso recorrido lo sitúa como uno de los más brillantes guitarristas del panorama rock español.
Los orígenes de la banda de rock británica Pink Floyd se remontan hasta el año 1964 cuando, a partir de diferentes formaciones que frecuentan la psicodelia y el rock progresivo, desembocan en el rock sinfónico de su historia más reciente.
Pink Floyd atravesó fundamentalmente por dos etapas, independientemente de quiénes fueran sus miembros, con la figura de Syd Barret entre sus filas, o sin él: una primera etapa estuvo marcada por la psicodelia en su sentido más auténtico y purista, y en una segunda etapa bien diferente, la banda pasó a encabezar el récord en cuanto al número de metros de cable necesarios para sus actuaciones en directo, ampliando su formación original con numerosos músicos durante las giras.
En octubre de 1971 Pink Floyd realizó la filmación del mítico concierto «Live at Pompeii», una auténtica joya que ha perdurado en el tiempo como una de las muestras más auténticas de lo que supuso la psicodelia y el sonido progresivo de la década de los setenta. Curiosamente, esta maravillosa grabación fue concebida por el director francés Adrian Maben como un documental para la televisión, con una idea anti Woodstock.
Para la filmación de tan temerario experimento, Adrian Maben eligió las ruinas con más de 2.000 años de antigüedad del anfiteatro de la antigua ciudad de Pompeya, en Italia, ciudad romana que fuera cubierta y enterrada por la erupción del volcán del monte Vesubio, el 24 de agosto del año 79 a. de C.
Las grabaciones de las dos partes de «Echoes», que abre y cierra la cinta, así como los temas «One of These Days» y «A Saucerful of Secrets» se filmaron entre el 4 y el 7 de octubre de 1971 en el anfiteatro en ruinas, entretanto el resto de los temas fueron grabados entre finales de 1971 y comienzos de 1972, en un estudio de París, utilizando proyecciones del anfiteatro de Pompeya como fondo. En agosto de 1974 se publicó otra versión de la cinta que combina las grabaciones de Pompeya con retales de otras filmaciones procedentes de las sesiones de grabación del álbum «The Dark Side of the Moon» en los estudios Abbey Road.
El genial montaje de «Live at Pompeii» derrocha una creatividad exquisita nada habitual, repleta de sugerentes y múltiples detalles con un impecable desarrollo de las imágenes y los recursos técnicos, así como multitud de insólitos ambientes recreados bajo la música de la inspirada banda Pink Floyd en su época más prolífica, conviertiendo dicha grabación en una joya imprescindible.
La cinta original contiene los siguientes temas:
Intro Pompeii
Echoes Part 1
Careful with that Axe, Eugene
A Saucerful of Secrets
One of These Days
Set the Controls for the Heart of the Sun
Mademoiselle Nobs
Echoes Part 2
Pocas recreaciones superan «Live at Pompeii», de Pink Floyd. Absolutamente impresionante.
Ian Gillan, Roger Glover, Jon Lord, Ritchie Blackmore e Ian Paice
(Deep Purple, Mark II)
La banda británica de rock Deep Purple se caracteriza tanto por sus álbumes de estudio como por sus magníficos discos en directo.
Chris Curtis y Tony Edwards idearon Roundabout en 1967, con la idea de rotar sus músicos cada cierto tiempo. Primero reclutaron a Jon Lord, que propuso a su compañero de grupo Nick Simper como bajista. Después ficharon a Ritchie Blackmore y la formación se completó con Rod Evans y su amigo Ian Paice a la batería. Poco tiempo después, Ritchie Blackmore, que sumaba mucha más experiencia que el resto de sus compañeros, sugirió llamar a la banda Deep Purple, en honor a la canción favorita de su abuela.
Deep Purple publica en abril de 1968 el single Hush, un tema original de Joe South. Su primer álbum, Shades of Deep Purple (1968), pasa desapercibido en su país de origen pero les embarca en una gira por Estados Unidos como teloneros de Cream. Le siguen The Book of Taliesyn (1968) y Deep Purple (1969), con un sonido pop rock progresivo y psicodélico con acercamientos a la música clásica; sin embargo, sus mayores éxitos son versiones de otros artistas y la crítica de su país les ignora.
Rod Evans y Nick Semper tenían problemas para adaptarse al sonido de la banda, que era cada vez más fuerte. Lord, Paice y Blackmore deciden prescindir de ellos y fichan a Ian Gillan, que finalmente arrastra al bajista Roger Glover, ambos provenientes de Episode Six. La decisión fue aceptada por Rod Evans, creando resentimiento en Nick Semper.
Con Gillan y Glover en sus filas, Deep Purple publica en diciembre de 1969 el directo Concerto for Group and Orchestra, de acuerdo a la idea de Lord de reunir una banda de rock y una orquesta. El éxito es rotundo en el Reino Unido, tanto que Jon Lord reconoce haber concebido a su primera hija la noche del concierto.
Lord y Blackmore compartían su gusto por la música clásica. Sin embargo y tras la experiencia del concierto para orquesta, Blackmore consideró que era el momento de probar otro sonido a su gusto, por lo que se puso manos a la obra junto a Glover, dando forma al álbum Deep Purple in Rock (1970), cuyo éxito supuso la victoria final de Blackmore y el cambio definitivo del sonido de la banda a partir de entonces.
Curtido en bandas como The Savages, Ritchie Blackmore fue el discípulo más aventajado de Lord Sutch. Era una bestia sobre el escenario y le gustaba gastar bromas pesadas, como arrojar bolsas de harina por la ventanilla del autobús (especialmente cuando llovía), tirar comida en los pasillos del avión, o introducir pornografía entre las páginas de los diarios cuando viajaban en avión. Ego y chulería no le faltaban, pero no había muchos guitarristas de su talla.
En 1971 publican Fireball, que a pesar de no ser un gran disco, alcanzó el primer lugar en las listas británicas y les permite crear su propio sello discográfico: Purple Records. Por entonces, Roger Glover sufría intensos dolores estomacales, hasta el punto de que Blackmore llegó a cuestionarle. En 1972 publican Machine Head, que se convierte en su disco de estudio de mayor éxito comercial. Deep Purple ya sólo son superados por Led Zeppelin.
Tras alcanzar la cima del éxito, Ritchie Blackmore e Ian Gillan comenzaron a tener serios desencuentros: las extensas giras, el cansancio físico y el estrés acrecentaron sus diferencias. A pesar de ello, la banda realizó una gira por Oriente, grabando el magnífico Made in Japan (1972). Con la crítica a sus pies, Made in Japan se mantiene como el disco en directo más vendido de la historia de la música. Finalmente, la lucha de egos acabaría con Ian Gillan, que pospuso su partida hasta casi un año después, debido a los contratos pendientes de la banda. Sin embargo, Ritchie Blackmore tampoco estaba contento: quería ser el único responsable de su propio proyecto y convenció a Paice para que le acompañase. Ian Gillan dejó la banda, pero los managers lograron convencer a Lord, Blackmore y Paice de que continuaran juntos. Blackmore se encargó de eliminar a Glover, que no sospechaba semejante desenlace y se sintió especialmente traicionado por la decisión final de Lord. Tras su expulsión, Glover se dedicó a labores de producción y Gillan formó su propia banda.
El álbum Who Do We Think We Are (1973), grabado durante la gira por Oriente, es un pésimo disco. Ritchie Blackmore e Ian Gillan ni se hablaban; sus diferencias hicieron que Gillan se rompiese una mano al golpear un bafle.
Tras la salida de Gillan y Glover, Ritchie Blackmore tuvo en mente una combinación vocal entre el cantante Paul Rodgers y Glenn Hughes (proveniente de Trapeze), que Rodgers no aceptó. Así aparece de la nada David Coverdale, un desconocido vendedor de pantalones que envió una grabación. Con Glenn Hughes y David Coverdale entre sus filas publican Burn (1974), que incluye nuevos clásicos de la banda y logra, si cabe, una mayor popularidad. En la senda del rock duro, Burn incluye ritmos blues, soul y rhythm & blues aportados por sus nuevos integrantes.
La mayor audiencia de Deep Purple tuvo lugar el 6-4-1974 en el Festival California Jam, con una asistencia estimada de 260.000 personas y viajando en su propio jet con el nombre pintado en los costados: la primera vez que una banda viajaba a un festival de música con su propio avión. California Jam utilizó además el sistema de sonido más grande y potente hasta el momento, debido a la demanda de Deep Purple, que cerrarían el concierto según acuerdo contractual; sin embargo, los productores decidieron que Emerson, Lake & Palmer actuaran en último lugar, lo que desató la ira de Ritchie Blackmore (como ya ocurriera con la banda Yes), que se encerró en el camerino. Ritchie encargó que rociaran de gasolina varios cabezales de amplificación y cuando interpretaba el último tema, ardieron; destrozó una cámara de TV con su guitarra y varios amplificadores que arrojó al público, destruyendo tres guitarras. Entretanto, el resto de la banda continuó tocando en mitad del humo y las explosiones, lo cual le costó una multa de 5.000 libras y la huída en helicóptero para evitar ser detenidos por la policía.
Stormbringer (1974) es un magnífico disco muy adelantado a su época que mezcla rock, soul y funk. Sin embargo, el nuevo estilo de música comenzó a escaparse al control de Blackmore: las tendencias funk de Hughes ganaban terreno y cuando decidieron no incluir una versión de un tema propuesto por Blackmore, éste adoptó un lugar secundario, ideando un futuro más allá de Deep Purple.
En marzo de 1975 Deep Purple se embarca en una gira europea, sabiendo que Blackmore abandonaría. Su último concierto tiene lugar el 7 de abril en París.
Ritchie Blackmore se encontraba quizá en su mejor momento, como puede comprobarse a través de sus solos de guitarra incluidos en Live in London o Made in Europe. Desvinculado de Deep Purple, crea el proyecto solista Ritchie Blackmore's Rainbow, basado en un hard rock neoclásico y épico que desembocaría en Rainbow, a partir de músicos de la banda Elf, entre los que figuraba Ronnie James Dio. Años más tarde contaría de nuevo con Roger Glover entre sus filas, como bajista y productor.
Tras la tercera formación de Deep Purple, conocida como Mark III, vendría la era Bolin, hasta la reunión en 1984 de Deep Purple, que finalmente y tras la nueva expulsión de Gillan en 1989 y su readmisión en 1992 sin el consentimiento final de Blackmore, terminaría un año más tarde con la salida de Blackmore en lugar de Gillan. Son numerosos los intereses que a través del tiempo unen y desunen a los miembros de la banda. Sin embargo, no hay comparación con el sonido y el encanto de la década de los setenta. A partir de entonces y en mi opinión, Ritchie Blackmore desaprovecha quizá su talento en un proyecto medieval acompañando a su actual mujer (que fuera corista en Rainbow) con una guitarra acústica entre sus manos.
Ciertamente, las formaciones Mark III y en especial Mark IV, destrozaban Higway Star y Smoke on the Water en sus interpretaciones, al igual que hace Ritchie Blackmore con Child in Time y Soldier of Fortune, en su proyecto actual.
En el año 2009 y volviendo a los intereses, Glenn Hughes, David Coverdale y Jon Lord planearon reunir a la formación Mark III. Finalmente, el desinterés de Blackmore y la muerte de Jon Lord lo hacen ya imposible.
Este artículo está dedicado al mejor compañero de mesa de Blackmore, el insuperable Jon Lord, el mejor organista de la historia del rock, que me saltó las lágrimas el día de su muerte.
NOTA: a través de los siguientes links puedes acceder a otras entradas de este blog relacionadas con «Deep Purple», y Tommy Bolin:
